lunes, 29 de mayo de 2017

CRÍTICA | VIDAS DE MUJER (CERTAIN WOMEN), de Kelly Reichardt



Mujeres anónimas
VIDAS DE MUJER (CERTAIN WOMEN), de Kelly Reichardt
Nominada a 2 Independent Spirit y Gotham Award
EE. UU., 2016. Dirección: Kelly Reichardt Guión: Kelly Reichardt, a partir de los relatos cortos de Maile Meloy Fotografía: Christopher Blauvelt Música: Jeff Grace Reparto: Michelle Williams, Kristen Stewart, Laura Dern, Lily Gladstone, Jared Harris, Rosanna Arquette, Rene Auberjonois, James Le Gros, John Getz, Ashlie Atkinson, James Jordan, Edelen McWilliams, Matt McTighe, Sara Rodier, Gabriel Clark Género: Drama Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España (en DVD): 07/06/2017
¿De qué va?: En un pequeño pueblo rural de los Estados Unidos, distintas mujeres intentan labrarse su propio camino en el ámbito personal y profesional: una abogada, una madre de familia, una granjera y una profesora poco experimentada.


Certain Women puede parecer un título poco cinematográfico. ¿A qué mujeres hace referencia Kelly Reichardt? ¿Cuáles son sus deseos y tribulaciones? La duda se despeja (o mejor: se mantiene) tras el visionado de la película. La obra de Reichardt captura el devenir de tres mujeres en una zona de la Norteamérica profunda, y lo hace reparando en tres momentos vitales, tres anécdotas ensambladas en forma de cuentos breves. Reichardt nunca juega con el capricho geométrico de las historias cruzadas. Tampoco explicita su denuncia social, por mucho que en todo momento se intuya una atmósfera hostil hacia todas las protagonistas. Y es ahí donde Kelly Reichardt, entre brumas y nieve, nos da una lección de cómo narrar en imágenes. Tan modesta como apreciable. Porque... ¿qué es el cine sino una reivindicación de lo anónimo, una manera de convertir lo íntimo en colectivo? Reichardt transforma tres tiempos muertos de tres seres a priori igual de inertes en una metáfora de la lucha y la desazón que se siente al vivir en un entorno donde no parece acontecer absolutamente nada. La película, en consonancia, eleva la anécdota a la categoría de conjunto cerrado, repleto de pequeñas significaciones. Certain Women, en resumen, dista de ser una cinta de fácil visionado. Estamos ante un cine introvertido, de belleza decembrina y de silencios recurrentes. Femenino, e incluso feminista. Que apela a nuestra comprensión, pero nunca a nuestra empatía. Mientras gran parte del cine indie busca desesperadamente dar con la fórmula del diálogo ágil, Reichardt parece seguir la evolución contraria: quiere "contar sin contar", convirtiendo el espectador en cómplice y espía, en un ser inteligente que debe completar todo aquello que resta velado en la proyección. Una fórmula que no encontrará arropo entre el gran público (en España, la cinta se ha estrenado directamente en dvd), pero que sí contará con el afecto cinéfilo. Reichardt, una artista del presente con mucho futuro, ha conseguido un pequeño gran trabajo. Tan grande que no merece ser "anónimo".


Para amantes de los retos cinematográficos declinados en femenino.
Lo mejor: Reichardt demuestra que, en cuanto a cine, todavía se puede arriesgar e innovar.
Lo peor: Estrenarla directamente en dvd es un sacrilegio. 

sábado, 27 de mayo de 2017

CRÍTICA | NO ROBARÁS... (A MENOS QUE SEA NECESARIO), de Viviana Cordero

NO ROBARÁS... (A MENOS QUE SEA NECESARIO), de Viviana Cordero
Ecuador, 2013. Dirección y guión: Viviana Cordero Música: Morgana Acevedo Fotografía: Hans Rosero Reparto: Vanessa Alvario,  Erick Chica,  Ana María Balarezo,  Carlos Clonares, Patricia Loor, José Miguel Ponce, Nadia Acevedo Género: Drama Duración: 95 min. Tráiler: Link
¿De qué va?: Lucía tiene 16 años y tras un incidente familiar entre su madre y su padrastro, ella tendrá que encargarse de cuidar a sus tres hermanos menores, sin nadie para ayudarla deberá hacer lo necesario para subsistir.


No robarás... (a menos que sea necesario) intenta ahondar en ciertos temas de la sociedad  ecuatoriana de clase baja, teniendo como escenario diferentes lugares de la ciudad de Quito la cinta nos narra la historia de un hogar sumido en la violencia intrafamiliar, y las consecuencias de estos hechos. Lucía (Vanessa Alvario), una joven estudiante de 16 años que vive con su madre, hermanos y padrastro, es la protagonista de esta historia que transcurre entre el ruidoso punk de delincuentes juveniles, y las malas decisiones de una madre envuelta en una relación tóxica a partir de la cual se generan situaciones adversas, que orillan a varios integrantes de dicha familia a realizar acciones desafortunadas. No robarás... (a menos que sea necesario) a pesar de contar con dos personajes (Lucía y Elmer) que me parecieron ideados y acoplados de manera interesante, desarrolla una historia de discurso algo 'desgastado' pero no tanto en su mensaje como en su ejecución, esa donde se convierte lo que podía ser una película interesante, en una obra irregular con aire telenovelesco que aporta poco en su conjunto a la cinematografía local.  


Por tanto, No robarás... (a menos que sea necesario) no resulta demasiado original en su relato, pero sobre todo en su puesta en escena (tal vez si se hubiese mejorado la 'forma', la poca originalidad del contenido se percibiría menos), quedándose así a medio camino entre el drama de jóvenes rebeldes y delincuentes que ya podíamos atisbar en títulos como Ratas, ratones, rateros, o el 'drama punkero' de la más reciente Mejor no hablar de ciertas cosas. Sin lograr el ritmo y enjundia de la primera ni el logrado despliegue técnico de la segunda, No robarás... (a menos que sea necesario) apenas consigue ser una obra irregular, que sin embargo, logra presentarnos un personaje protagónico interesante e interpretado con acierto por parte de Vanessa Alvario, que sin duda, es lo más rescatable de este film.

viernes, 26 de mayo de 2017

CRÍTICA | NAGASAKI: RECUERDOS DE MI HIJO, de Yôji Yamada


Fantasmas familiares
NAGASAKI: RECUERDOS DE MI HIJO
11 nominaciones a los premios de la Academia de cine japonés. Representante japonesa a los Óscar 2016
Japón, 2015. Dirección: Yôji Yamada Guión: Yôji Yamada y Emiko Hiramatsu Fotografía: Masashi Chikamori Música: Ryuichi Sakamoto Reparto: Sayuri Yoshinaga, Kazunari Ninomiya, Haru Kuroki, Tadanobu Asano, Isao Hashizume, Yuriko Hiro'oka, Miyu Honda, Ken'ichi Katô, Nenji Kobayashi, Christopher McCombs, Wade Reed, Kazunaga Tsuji Género: Drama familiar Duración: 125 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 26/05/2017
¿De qué va?: Nagasaki, 1945. Tres años después de la bomba atómica que asoló a la población, el fantasma de Koji, muerto en la masacre, visita a su madre Nobuko, que vive sola en la casa familiar.


Yôji Yamada, nombre histórico del cine japonés, hace doblete esta primavera en las salas españolas con Maravillosa familia de Tokio y Nagasaki: recuerdos de mi hijo. Lejos de su Trilogía Samurai y mucho más vinculado a sus películas familiares recientes como Una familia de Tokio y La casa del tejado rojo, Nagasaki se impone como su obra más minimalista, la voz de un maestro que, avanzándose a su ocaso, quiere reflexionar sobre las relaciones humanas y los vínculos que perduran después de la muerte. Nagasaki cuenta la historia de Nobuko, una anciana comadrona que perdió a su hijo Koji en la explosión nuclear de 1942. Apenas sale de casa, y su rutina queda alterada por las esporádicas visitas de sus vecinos, un vendedor de productos de contrabando y la antigua novia de Koji, que trabaja como maestra en un colegio cercano. El Japón posterior a la masacre queda sintetizado en las cuatro paredes de Nobuko, a la vez que Yamada inserta flashbacks y largos diálogos que nos acercan el pasado de sus personajes. Todo cambia cuando la protagonista contacta con el fantasma de Koji, un inserto fantástico que sirve para reflexionar sobre el paso del tiempo, la necesidad de pasar página y la vida que precede a la muerte, en su versión tanto física como mística. Lástima que, pasada la hora de metraje, la película eterniza su tono luctuoso y rellena su desenlace con anécdotas e insertos poco sugerentes. En el país del haiku, la síntesis cinematográfica brilla por su ausencia. También le penaliza su incapacidad por apelar a los sentimientos de la platea, seguramente por las diferencias culturales y temporales que nos separan del Japón de mediados de los 40. Nagasaki, en resumen, no figurará entre las mejores obras de Yamada, por mucho que sea su film más triste, una obra con entidad de testimonio vital y testamento artístico. 


Para reverenciadores de los maestros del cine japonés.
Lo mejor: La credibilidad de sus dos actores protagonistas.
Lo peor: La sombra de Ozu es alargada... y para Yamada, inalcanzable.


Escucha toda la información de los estrenos del mes en
EL PODCAST DE C&R: ESTRENOS MAYO 2017 

jueves, 25 de mayo de 2017

EL PODCAST DE CINOSCAR & RARITIES 2X26 - CINE ESPAÑOL: MAYO 2017


Programa nº 49 de El podcast de Cinoscar & Rarities. 3º audio mensual dedicado al cine español. Repasamos las noticias cinematográficas protagonizadas por el Festival de Cannes y los Premios Platino; reseñamos los estrenos Plan de fuga, Amar y Nieve negra; hablamos de los lanzamientos en dvd Contratiempo, El elegido y Proyecto Lázaro; analizamos las series Las chicas del cable, La casa de papel y Sé quién eres; y avanzamos la argentina Zama y la chilena Una mujer fantástica. Colaboran en el audio Mayra Meza, Chema López, Alberto Tovar y Xavier Vidal. ¡Gracias por darle al play!



Guía del programa:
1' Presentación - 3' Almodóvar, Cannes 2017 y Netflix - 20' Premios Platino: análisis y quiniela - 35' Noticias: José Salcedo, Academia y Fiesta del cine 50' Plan de fuga - 55' Amar - 59' Nieve negra - 64' Contratiempo - 69' El elegido - 72' Proyecto Lázaro - 78' Las chicas del cable - 82' La casa de papel - 85' Sé quién eres - 91' Próximos estrenos: Zama y Una mujer fantástica - 96' Despedida y canción: Aquí sigo, de Julieta Venegas

Estrenos del mes:
Especiales CINE DE LOS 90:

Episodios anteriores:

Puedes escuchar todos los podcasts del blog en IVOOX y ITUNES
 
Contacta con nosotros: cinoscararities@gmail.com

miércoles, 24 de mayo de 2017

CRÍTICA | EL SUEÑO DE GABRIELLE, de Nicole Garcia


Mal de (des)amor
EL SUEÑO DE GABRIELLE (MAL DE PIERRES), de Nicole Garcia
Festival de Cannes: Sección oficial. 8 nominaciones a los César, incluyendo mejor película
Francia, 2016. Dirección: Nicole Garcia Guión: Jacques Fieschi y Nicole Garcia, a partir de la novela homónima de Milena Agus Fotografía: Christophe Beaucarne Música: Daniel Pemberton Reparto: Marion Cotillard, Louis Garrel, Àlex Brendemühl, Brigitte Roüan, Victoire Du Bois, Aloïse Sauvage Género: Drama romántico Duración: 115 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 09/06/2016
¿De qué va?: Francia, años 50. Gabrielle está profundamente enamorada de su profesor de literatura. La familia intenta reconducir a la chica pactando un matrimonio de conveniencia con José, un español que trabaja en el campo francés con tal de huir de la España de posguerra. Tiempo después, ya casada, Gabrielle ingresa en un balneario suizo para tratarse de sus dolencias de riñón.


Como se demostró tras su fría acogida en la Croisette, Cannes no era el mejor escenario para presentar El sueño de Gabrielle, una propuesta demasiado académica para los paladares de la crítica que se reúne año tras año en la exigente platea del Palais. Afortunadamente las películas tienen muchas vidas, también espectadores de perfiles muy diferentes, y a la cinta de Garcia, a punto de llegar a las salas españolas, le espera una recepción mucho más cálida entre el público de a pie. Méritos no le faltan. Es una propuesta bien ejecutada, filmada con gusto e interpretada con fiereza por Marion Cotillard. Suple sus obviedades de novela romántica con una elegancia muy francesa y unos paisajes que van de los Alpes suizos a la costa europea. Inteligentemente, Garcia consigue que todo el metraje esté tocado por la insatisfacción y el silencio, las mismas directrices que mueven a su infatigable heroína, aun cuando en ocasiones cuesta entender su tendencia al melodrama decimonónico. El resultado es una película cómoda y reconocible, de apariencia impoluta y una historia atractiva sobre tres personajes (Cotillard y sus vértices masculinos) que son víctimas de sus circunstancias, marcados por guerras reales e imaginarias. Garcia únicamente resbala en el último tramo, seguramente porque, en pos de la catarsis, busca subterfugios forzados que ponen en evidencia las debilidades de la trama. El sueño de Gabrielle sabe a mala adaptación de cualquier obra de Jane Austen o Emily Dickinson, a cine convaleciente pero con arrebatos de genialidad, como los enfermos que el relato filma encerrados en saunas balsámicas. Para los analistas gafapastas, un desastre lleno de ripios. Para miradas más benévolas como la nuestra, un ejercicio "demodé" con encanto. Porque su "mal" tiene remedio, y se llama Cotillard.


Para aficionados al drama que puede verse acompañado de madres, abuelas y novias.
Lo mejor: Cotillard y Brendemühl.
Lo peor: El giro final, un epílogo innecesario.


Escucha nuestra presentación de EL SUEÑO DE GABRIELLE en 

lunes, 22 de mayo de 2017

CRÍTICA | YO NO SOY MADAME BOVARY, de Feng Xiaogang



No sin mi marido (ni con él)
YO NO SOY MADAME BOVARY, de Feng Xiaogang
Festival de San Sebastián: Concha de oro y premio a la mejor actriz
China, 2016. Dirección: Feng Xiaogang Guión: Liu Zhenyun Fotografía: Luo Pan Música: Wei Du Reparto: Fan Bingbing, Dong Chengpeng, Fan Wei, Guo Tao, Li Zonghan, Zhang Yi, Liu Hua, Zhang Jiayi, Yu Hewei, Zhao Lixin Género: Drama Tráiler: Link Duración: 125 min. Fecha de estreno en España: 17/03/2017
¿De qué va?: Li Xuelian planea un falso divorcio para conseguir una segunda vivienda. Cuando su marido la abandona y se casa con otra mujer, Li inicia una lucha que se alargará durante más de una década para que el gobierno chino reconozca la estafa y castigue al hombre.


Yo no soy Madame Bovary es la nueva obra de Feng Xiaogang, director muy reputado, de carrera dilatada, que fuera de las fronteras de su país ha quedado opacado por otros cineastas como Zhang Yimou o Jia Zhang-Ke. Tampoco es demasiado conocida Fan Bingbing, estrella absoluta en toda Asia que aquí transforma su físico bellísimo para dar vida a una mujer abandonada por su marido y, en última instancia, por el sistema judicial chino. Ella es la parte más desfavorecida de un matrimonio que en el pasado firmó un pacto tácito de divorcio con el único propósito de conseguir una vivienda, si bien ese acuerdo sólo sirvió para que él huyera con otra mujer. La calumnia da paso a la frustración, ésta a su vez abre un periodo de lucha, y finalmente las protestas no atendidas de la protagonista virarán en frustración. Todo ese periplo, relacionado en su prólogo con una leyenda tradicional china, discurre con la pantalla en negro y en fotogramas circulares, como si viéramos la película con un binóculo, en clara metáfora del ambiente desasosegante que constriñe a su (anti)heroína. Por desgracia, el guión se mantienen en un tono tan trágico que sus arrebatos cómicos, anticlimáticos se miren por donde se miren, restan credibilidad a la insistencia de su protagonista. La fotografía se ensancha, a medida que avanza el metraje la pantalla va cambiando de formatos y de épocas, pero el discurso, bien por reiterativo o por confuso, termina hastiando a la platea. El resultado es una película de visionado difícil, casi inaccesible por las diferencias culturales que nos separan con la China ancestral, retratada aquí a modo de fresco casi pictórico. O tal vez decimos esto porque nos faltan suficientes datos sociales e históricos de China para valorar el film en su justa medida. Cinta ingrata donde las haya.


Para estudiosos del gigante asiático.
Lo mejor: Su concepción fotográfica.
Lo peor: En fondo, trasfondo y forma, resulta muy confusa.


Escucha nuestra reseña de Yo no soy Madame Bovary en
EL PODCAST DE C&R: ESPECIAL ESTRENOS MARZO 2017

domingo, 21 de mayo de 2017

CRÍTICA | Z. LA CIUDAD PERDIDA, de James Gray



Perdido en la selva (sobre "lo clásico")
Z. LA CIUDAD PERDIDA, de James Gray
Festival de Berlín 2017: Sesión especial
EE. UU., 2016. Dirección: James Gray Guión: James Gray, a partir del libro de David Grann Fotografía: Darius Khondji Música: Christopher Spelman Reparto: Charlie Hunnam, Sienna Miller, Tom Holland, Robert Pattinson, Angus Macfadyen, Bobby Smalldridge, Edward Ashley, Tom Mulheron, Aleksandar Jovanovic, Siennah Buck, Stacy Shane, Bethan Coomber, Ian McDiarmid   Género: Aventuras. Drama. Biopic Duración: 140 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/05/2017
¿De qué va?: Reino Unido, principios del S. XX. Una sociedad académica ofrece a Percy Fawcett, un militar lastrado por la mala reputación de su padre, la posibilidad de liderar una expedición en Suramérica. Su misión parece sencilla: debe cartografiar una zona de la que no se guardan constancias gráficas. Esa será sólo una de las muchas expediciones que Fawcett encabezó, aunque con un objetivo más complejo: encontrar una ciudad indígena perdida en el Amazonas.


Tras el estreno de Z. La ciudad perdida, muchos críticos han insistido en calificar el cine de James Gray de "clásico". El adjetivo tiene su importancia, sobre todo teniendo en cuenta el desapego que el público que llena las salas manifiesta hacia los grandes títulos y autores del séptimo arte. La palabra, vaya, engrandece a Gray, pero también, ni que sea indirectamente, lo pone en tela de juicio, acusándolo de una anacronía difícil de sopesar. Ahí reside la grandeza del lenguaje: un mismo vocablo puede tener connotaciones la mar de diferentes. Todo ello me motiva una reflexión: ¿qué es en verdad "el cine clásico"? Y, en relación a ese concepto, ¿en qué medida puede o debe considerarse el cine de James Gray como tal? 


Hay una corriente crítica entorno al séptimo arte muy marcada por el pretérito. La cantinela de que el cine murió hace mucho tiempo sigue resonando en los oídos de muchos, y parece que no son pocos los que creen a pues juntillas esos cantos de sirenas. Discursos, evidentemente, que ponen sobre la mesa el inmovilismo de unos frente a la constante mutación del medio cinematográfico (tan evolucionado que, a lo mejor, llegará un punto en el que no se asemeje en nada al cine según las significaciones que se usaban en el S. XX). Y en paralelo, contamos con unas nuevas generaciones que, incapaces de reconocer su desconocimiento hacia los dispositivos de antaño (que podrían ir, grosso modo, del cine mudo al Dogma noventero), llenan sus muros y blogs con palabras "por defecto favorables", incluso "excelsas", respecto a producciones que quedan relativamente lejos en el tiempo. Dos formas de entender el cine que, en lugar de complementarse, colisionan para interés y agravio de ambas partes, sin ser conscientes de que por el camino el único perjudicado es el propio cine.


Las películas, una vez terminadas, restan inmutables. Nuestra mirada hacia ellas cambia con el paso de los años, siempre en función de la actualidad o pertinencia que cada título, según sus temas y formas, despierte en cada generación de espectadores. Y como resultado, el cánon artístico está en constante reescritura: de hecho, los cambios son tan inmediatos que, en el mismo momento que una publicación o institución propone su lista de "mejores películas", el "ranquing" puede considerarse desactualizado per se (lo mismo ocurre con las entradas y acepciones de un diccionario de nuevo cuño). A la postre, saber quién dicta ese cánon viene a ser lo menos importante. Ni los blogueros "aficionados" son (somos) tan irrelevantes ni las consideraciones de la crítica "oficial" son tan mayestáticas. El conflicto de todo lo dicho, en resumen, no es de naturaleza cinematográfica sino lingüística. ¿Que qué es, por lo tanto, el cine clásico? Poco más que una convención, un aforismo sin sentido, un cliché.


Pero volvamos a lo esencial. Z. La ciudad perdida es una película notable que recrea la historia de Percy Fawcett, un explorador que, tras una misión cartográfica en la selva boliviana, defendió la existencia de una civilización desconocida en mitad del Amazonas. Por el camino, James Gray apela a sus temas habituales (el protagonista, atribulado y contrario a las normas tanto sociales como familiares de su entorno, conecta con todos los antihéroes masculinos de su filmografía), a la vez que amplía su sentido del thriller con un formalismo propio del cine de aventuras. Todo en Z. La ciudad perdida remite al siglo pasado, incluso su defensa de costumbres poco habituales en el audiovisual contemporáneo como el tempo pausado (que no lento) y los diálogos embellecidos (que no preciosistas). Con todo, es un error considerar a Gray en su conjunto y a Z. La ciudad perdida en particular como "clásico". Su ortografía puede recordarnos al cine "de antaño", pero ello no implica que su semántica esté en una posición más o menos preeminente con respecto al resto de estrenos. 


El tiempo dirá qué lugar merece ocupar Z. La ciudad perdida en el cine contemporáneo, pero desde nuestra perspectiva sincrónica todo hace pensar que su influencia seguirá generando ríos de tinta en los próximos años. Así lo merece su última hora de metraje, lo más bello, sensible y bien rodado de todo lo exhibido en los últimos meses. Puede que el dibujo de su personaje principal resulte poco nítido, pero hay que respetar la austeridad de Gray y su tendencia a la "épica sin épica" o, si se quiere, a la "acción de ideas". Z. La ciudad perdida no es ni mejor ni peor que Fizcarraldo, La misión, Apocalypto, El nuevo mundo u otras ficciones de conquistas: es diferente. Y en la disparidad, se disfruta como una gran película, ajena a tiempos y palabrería académica. No vale la pena invertir energías en dirimir si Gray (o los Coen, o Thomas Anderson, o cualquier director de estilo y edad análoga) es "clásico", "moderno" o "posmoderno". Que los árboles no nos impidan ver el bosque (aquí, convertido en selva).


Para amantes del gran cine (sin etiquetas).
Lo mejor: Sus últimos minutos rozan la perfección.
Lo peor: Corre el riesgo de ser malinterpretada / incomprendida por crítica y público.


Escucha nuestra crítica de Z. LA CIUDAD PERDIDA en
EL PODCAST DE C&R: Especial ESTRENOS MAYO 2017

sábado, 20 de mayo de 2017

CRÍTICA SERIES | THIS IS US


THIS IS US, de Dan Fogelman (Creador)
EE.UU, 2016. 1 temporada de 18 episodios. Emitida por el canal NBC. Género: Drama, Comedia Duración: 45 min. por episodio Tráiler: Link Reparto: Mandy Moore,  Milo Ventimiglia, Chrissy Metz,  Justin Hartley,  Sterling K. Brown, Gerald McRaney,  Susan Kelechi Watson,  Chris Sullivan,  Ron Cephas Jones, Eris Baker,  Janet Montgomery,  Brittany Ishibashi,  Caitlin Thompson, Milana Vayntrub,  Jon Huertas,  Chris Grace.


This is us es la serie revelación del pasado año en la televisión abierta estadounidense. La serie creada por Dan Fogelman guionista de la película Crazy, Stupid, Love, consta de 18 episodios que empezaron a emitirse en Estados Unidos en septiembre de 2016 y tuvo su final de temporada el pasado mes de marzo (en España es emitida por  el canal Fox Life desde el pasado mes de febrero). El argumento de la historia del que poco se puede decir para no incurrir en spoiler, gira entorno a la conflictiva  vida de ciertos personajes que tienen una cosa en común, comparten la fecha de nacimiento. Partiendo de esta premisa estamos ante un drama cuyo punto fuerte es la estructura narrativa que propone para contarnos la historia de sus treintañeros protagonistas: una mujer que se acompleja de su sobre peso (Chrissy Metz), un actor (Justin Hartley), que considera que debería aspirar a trabajar en algo más interesante que la mediocre sitcom en la que actúa, un empresario de éxito (Sterling K. Brown),  padre de dos hijas y felizmente casado pero obsesionado con encontrar a su padre biológico; y por último y sin duda la historia central y columna vertebral de esta serie es la de Jack (Milo Ventimiglia) y Rebeca (Mandy Moore), una pareja próximos a convertirse en padres primerizos, un suceso que cambiará sus vidas y será el eje sobre el que giren estos 18 episodios.


La historia de This is us entreteje una especie de 'telaraña' que conecta a sus personajes a lo largo del tiempo, y recrea situaciones que si bien en varios capítulos te hacen sentir que estás ante una serie demasiado empalagosa, a la vez, todo va dando lugar a situaciones que ofrecen una versión más sólida y compleja de la trama, mostrando al espectador que sus personajes (aunque no todos) están llenos de matices en una historia cargada de emotividad, que habla del amor en todas sus formas, y que episodio a episodio sabe crear el suficiente interés en el espectador para de a poco ir develando a largo de su primera temporada la vida interior de cada uno de sus protagonistas, usando diferentes recursos para mostrarnos el pasado y que podamos ir atando cabos y entiendo el motivo de las acciones de cada uno. This is us es un retrato de la convivencia familiar con algo de ese tono de optimismo y buen rollo que suele tener la televisión y sobre todo el cine norteamericano más light, pero esta serie tiene a favor su tramposo guión, destacable puesta en escena, montaje y la singular forma de narrar su historia: no tiene problema de decir que el amor puede ser para siempre pero los matrimonios no siempre lo son, que la muerte es parte de la vida y si acaso se quiere se puede hacer una fiesta en lugar de un funeral, que nada ni nadie es perfecto y que a veces por mucho amor que sientas por alguien los seres humanos somos tan complejos y tontos a la vez que terminamos fastidiándolo todo. 


Una historia interesante y amena, menos conservadora de lo que a priori puede parecer, también aborda temas como el racismo, las diferencias sexuales y el poco tratado tema de la obesidad, todo esto lo hace sin caer en el drama exagerado ni llegar a convertirse en una comedia de contenido vacuo. Funciona, y en gran parte es gracias a un reparto que aporta carisma y simpatía, además de alguno que otro momento de destacable interpretación (sobre todo sus dos episodios finales, diría que muestran las mejores interpretaciones de Mandy Moore y Milo Ventimiglia). Dramedia que ahonda en los clarososcuros del ser humano, explorando lo complejo de las relaciones humanos, las alegrías y pesares de vivir, de crecer de ir ejerciendo los roles que por el camino elegimos.  En conclusión, This is us a pesar de que por momentos parece declinar su balanza hacia el cliché, y el drama que busca la lagrima fácil y encamina al happy ending, sabe sortear toda la ola de emociones que evoca y evita naufragar, aportando así al panorama televisivo actual (hablando principalmente de la televisión norteamericana), personajes de carne y hueso con los que sin duda gran parte del público logrará conectar. 


Su primera temporada aún con tantos altibajos como los tiene el matrimonio Pearson, cuanto menos resulta interesante y agradable. Creo que deja suficientes temas pendientes como para desarrollar una segunda temporada igual, o esperemos mejor que la primera. Aunque no es una serie para los seriéfilos más exigentes, es entendible sus buenos datos de audiencia (sobre todo en su país de origen) y se entiende también que haya conseguido nominaciones a los Globos de Oro y lograra estar entre las diez mejores series del 2016 para el American Film Institute. Tendremos This is us para rato puesto que NBC ha confirmado su renovación para una segunda y tercera temporada. Así que sólo resta esperar para resolver las incógnitas que han dejado pendiente estos curiosos personajes.


jueves, 18 de mayo de 2017

CRÍTICA | EL CÍRCULO, de James Ponsoldt



La bella y la bestia (electronic version)
EL CÍRCULO, de James Ponsoldt
EE. UU., 2017. Dirección: James Ponsoldt Guión: James Ponsoldt y Dave Eggers, a partir de la novela homónima de Dave Eggers Música: Danny Elfman Fotografía: Matthew Libatique Reparto: Emma Watson, Tom Hanks, John Boyega, Karen Gillan, Bill Paxton, Patton Oswalt, Ellar Coltrane, Ellen Wong, Nate Corddry, Jimmy Wong, Poorna Jagannathan, Kelli Barksdale, Allyson Nicole Jones, Amir Talai, Regina Saldivar Género: Drama. Thriller Duración: 105 min. Tráiler: Link Fecha de estreno en España: 05/05/2017
¿De qué va?: Mae Holland, ayudada por una amiga suya, accede a El círculo, el sello más influyente de internet. En pocos días, pasa de ser una oficinista sin más a ocupar un cargo relevante en la empresa. Desde esa posición, Mae será testigo de los peligros que entrañan las políticas de El círculo.


En la ficción, Emma Watson es una chica fácil, pero le gustan los recintos complejos. Tras su aventura en el castillo de la bestia, ahora se enfrenta a otro villano con formas de Steve Jobs en las instalaciones de El círculo, una empresa tecnológica que se dedica a la comercialización de soportes electrónicos. Watson, una oficinista apocada, se queda atónita ante la "ciudad" que se alza entorno a El círculo, hasta el punto de dejarse llevar por los cantos de sirena de su líder, interpretado por un Tom Hanks canoso. La jugada tiene su enjundia: la presencia de Watson sirve para captar la atención de los públicos más jóvenes, mientras que Hanks pone la ineludible nota de "calidad" a ojos de audiencias maduras, a la vez que el guión, "trampas mediante", juega con la imagen de hombre intachable que el actor representó sobre todo en los 90 para, al final de la cinta, pervertir el cliché. Lo que sigue dentro y fuera de las puertas de El círculo es una trama acorde con las constantes del aquí y del ahora: cuestiona, entre otros temas, los límites y las posibilidades de la tecnología, nuestra relación con las redes sociales y las diferencias entre la esfera pública y privada, todo ello con un lenguaje accesible, sin grandes alardes académicos y , lo que es peor, sin un despliegue cinematográfico elaborado. 


Con estas bases, queda claro que la obra de James Ponsoldt es una nómina de apuntes interesantes contados de la forma más insulsa posible. Con un material similar, David Fincher hubiera rodado un thriller "de morderse las uñas" y una descripción precisa de nuestros tiempos modernos (bien pensado, esa cinta ya la filmó: ahí está La red social). Pero el público millenial, aunque nos pese, está más cerca de El círculo que del "biopic no autorizado" de Mark Zuckerberg. Si nuestros adolescentes apenas leen "en horizontal", tiene su lógica que la película de Ponsoldt sea sólamente un power point fílmico de temas sin desarrollar. Si se trata de apelar a la muchachada del 2017, nadie la representa mejor que esa Watson "sosipava", no por casualidad vencedora del MTV Movie Award a la mejor actriz (¡glups!). Queridos compañeros: ante semejante panorama, abrazad la vanalidad y no penséis demasiado. Así lo quiere el cine del S. XXI y también la desoladora realidad que fagocita. Este espacio, con todo, no tiene problema en enarbolar causas perdidas. Vaya, que mejor acabar con lo evidente: El círculo, valga el chiste, es de todo menos "redonda".


Para interesados en la generación millenial.
Lo mejor: Puede dar pie a debates interesantes en ámbitos educativos.
Lo peor: En términos cinematográficos, no está muy lejos de un telefilm de mediatarde.


Escucha nuestra reseña de EL CÍRCULO en
EL PODCAST DE C&R: Especial ESTRENOS MAYO 2017

miércoles, 17 de mayo de 2017

SEMANARIO 112 | LOS POSTS DE MAYO (I)


¿Te perdiste algún escrito del blog? Con nuestro semanario puedes recuperar las distintas publicaciones de Cinoscar & Rarities. En el margen derecho del blog, en la sección 'Semanario', puedes (re)leer los distintos artículos ordenados.


CRÍTICA | CINE DE LOS 90
EL PADRINO: PARTE III, de Francis Ford Coppola

CRÍTICA
ASSASSIN'S CREED, de Justin Kurzel

ENCUESTA | CINE DE LOS 90

CRÍTICA | SERIES

CRÍTICA | CINE ECUATORIANO
TAN DISTINTOS, de Pablo Arturo Suárez

PODCAST 2X25

CRÍTICA | ESTRENO
DÉJAME SALIR (GET OUT), de Jordan Peele